martes, 29 de julio de 2014

XV Feria del Libro de Jaca 2014




XV FERIA DEL LIBRO DE JACA 2014 

12-17 de Agosto. 
Paseo de la Constitución


Gracias a Javi Hernández.




ZITA Cabeza de seda, una historia de superación y esperanza



Campaña solidaria en torno al cómic “Zita Cabeza de Seda”

Zita, una niña de 13 años, es el personaje principal de esta novela gráfica, que ha sido muy bien recibida por público y crítica en Francia, y que llega a nuestro país de la mano de la  ditorial ROSSELL.  Es una historia de superación y esperanza, llena de humanidad. Zidrou, su guionista, y Ernst, el ilustrador, abordan con un humor de gran sensibilidad un tema poco conocido: los niños hospitalizados enfermos de cáncer.

Los personajes de las obras de ROSSELL reflejan distintas realidades sociales e incorporan valores como el crecimiento personal, la fortaleza, la capacidad de sacrificio, el coraje, el optimismo, la humildad o la compasión.
Según Manuel Rossell, con sus libros “se viven historias de las que se puede aprender, con un excelente guión apoyado en bellas  imágenes, y que permiten compartir emociones visuales, intelectuales y del estado del alma”.
ROSSELL impulsa los valores de la cultura europea, y considera que “entretener no está reñido con los contenido educativos, inteligentes y críticos. Todas las obras que publicamos tienen su foco en el ser humano y sus experiencias, que ponen a prueba sus verdaderos valores y prioridades. Es una manera de contar historias que ayuda al lector en su crecimiento personal”.
En Francia, el álbum Zita Cabeza de Seda ha obtenido nueve premios: Álbum premiado como uno de Les 20 BD indispensables, de entre 2476 titulos publicados, seleccionados por l’Association des Critiques et journalists de Bande Dessinée (Julio 2012); Prix du Conseil Général au Festival BD de Blois (noviembre 2012); Prix Échappée Lecture Jeunesse du Conseil Général de la Nièvre (abril 2013); Prix Livrentête Catégorie Juniors de l’Union Nationale Culture et Bibliothèques Pour Tous (mayo 2013); Prix du livre Jeunesse du Festival BD de Cherbourg (mayo 2013); Prix des lecteurs de Sablé-sur-Sarthe (junio 2013); Prix Jeunesse du Festival BD de Chambéry (octubre 2013); Prix du Musée de l’Alta Rocca au Festival BD d’Ajaccio (noviembre 2013); Prix littéraire Jeunesse Égalité Fille Garçon du Conseil Municipal des Enfants de la ville de Toulouse 2013.
1.000 Zita para niños hospitalizados que padecen cáncer
ROSSELL ha puesto en marcha esta iniciativa solidaria, basada en una idea original del dibujante, Serge Ernst, que tiene como finalidad transmitir alegría, optimismo y esperanza a los niños hospitalizados con cáncer en España.
Para ROSSELL “implicar a la sociedad es muy importante, y por ese motivo estamos llevando a cabo este proyecto solidario. Se trata de obsequiar con un cómic de Zita a cada niño hospitalizado y la editorial le regalará otro”. El proyecto, que se puso en marcha en Francia, Bélgica y Suiza con el nombre 2000 BD, fue un éxito rotundo. La campaña está disponible en la web rossellbooks.com

Video-cuento: "El pato y la muerte" de Wolf Erlbruch

Animación realizada sobre el cuento "El pato y la muerte" del ilustrador alemán Wolf Erlbruch. (Premio Andersen de ilustración en 2006).

Un cuento exquisito y de lectura obligada que trata con delicadeza el tema de la muerte. 







Sinopsis

“Siempre llega un momento en que el niño se pregunta sobre la muerte. Ingenuamente, con toda la naturalidad del mundo. Los padres lo saben, pero pocas veces tienen preparada una respuesta simple y convincente. El personaje de la muerte en este libro de Erlbruch es una acompañante silenciosa y leve como una pluma, siempre presente aunque no la percibamos: Desde hacía tiempo, el pato notaba algo extraño. -¿Quién eres? ¿Por qué me sigues tan de cerca y sin hacer ruido? La muerte le contestó: -Me alegro de que por fin me hayas visto. Soy la muerte. El pato se asustó. Quién no lo habría hecho. -¿Ya vienes a buscarme? -He estado cerca de ti desde el día en que naciste… por si acaso. -¿Por si acaso? -preguntó el pato. -Sí, por si te pasaba algo. Un resfriado serio, un accidente… ¡nunca se sabe! - Sí, nunca se sabe… pero si de algo podemos estar seguros es que Wolf Erlbruch responde con sencillez las grandes preguntas con la poesía de sus ilustraciones y de sus historias. Para niños y adultos.“



lunes, 28 de julio de 2014

Ganadores de los Premios Eisner 2014


Los Eisner, los premios más importantes de la industria del cómic estadounidense ya tienen ganadores para su edición de 2014. La pasada madrugada, en la Comic Con de San Diego, se hicieron públicos los elegidos, y entre ellos ha estado el español David Aja, por su trabajo en ‘Ojo de Halcón’, que se ha llevado los dos galardones a los que optaba. No han tenido tanta fortuna los otros dos nominados españoles, Emma Ríos, por su dibujo para ‘Pretty Deadly’, y el galaico-aragonés José Domingo, por la edición estadounidense de sus ‘Aventuras de un oficinista japonés’. La gran triunfadora de la noche, como ya ocurriera el año pasado, ha sido‘Saga’, la obra de Brian K. Vaughan y Fiona Staples, editada en España por Planeta DeAgostini.
Listado completo de ganadores (en negrita)
Mejor historia corta
“Go Owls,” de Adrian Tomine, en Optic Nerve #13 (Drawn & Quarterly)
“Mars to Stay,” de Brett Lewis y Cliff Chiang, en Witching Hour (DC)
“Seaside Home,” de Josh Simmons, en Habit #1 (Oily)
“Untitled,” de Gilbert Hernandez, en Love and Rockets: New Stories #6 (Fantagraphics)
“When Your House Is Burning Down, You Should Brush Your Teeth,” de Matthew Inman, theoatmeal.com/comics/house
Mejor número único
Demeter, de Becky Cloonan (autopublicado)
Hawkeye #11: “Pizza Is My Business”, de Matt Fraction y David Aja (Marvel)
Love and Rockets: New Stories #6, de Gilbert Hernandez y Jaime Hernandez (Fantagraphics)
Viewotron #2, de Sam Sharpe (autopublicado)
Watson and Holmes #6, de Brandon Easton y N. Steven Harris (New Paradigm Studios)
Mejor serie
East of West, de Jonathan Hickman y Nick Dragotta (Image)
Hawkeye, de Matt Fraction y David Aja (Marvel)
Nowhere Men, de Eric Stephenson y Nate Bellegarde (Image)
Saga, de Brian K. Vaughan y Fiona Staples (Image)
Sex Criminals, de Matt Fraction y Chip Zdarsky (Image)
Mejor serie limitada
The Black Beetle: No Way Out, de Francesco Francavilla (Dark Horse)
Colder, de Paul Tobin y Juan Ferreyra (Dark Horse)
47 Ronin, de Mike Richardson y Stan Sakai (Dark Horse)
Trillium, de Jeff Lemire (Vertigo/DC)
The Wake, de Scott Snyder y Sean Murphy (Vertigo/DC)


Ken Niimura: "Con 'Henshin' he querido llevar a lo más simple el acto creativo"



--Acaba de llegar Henshin, su primera obra larga editada en Japón, al mercado español. ¿Qué ha pretendido contar en ella?
--Henshin, que en japonés quiere decir transformación, son historias cortas del día a día de Japón. Son situaciones y anécdotas que he ido viviendo y digamos que, a partir de ellas, he querido llevar a lo más simple el acto creativo. Es decir, tomar esos elementos y cocinar historias con cosas que tenía alrededor y ver como podía sacarle el mayor partido, sacarle un significado diferente a través de diferentes métodos de cocción.
--¿Ha querido estirar la realidad hasta hacerla casi irreconocible?
--Algunas son historias reales, aunque, en mayor o menor medida, todas tiene ficción. En todas, la clave es pensar qué elemento de ficción introducir para rehacer la realidad.
--¿Por qué utiliza el manga como forma de expresión?
--Por su flexibilidad. Primero, porque es narrativo y, segundo, porque no soy muy bueno solo en imágenes ni solo en texto por lo que es un punto intermedio que me conviene el mezclar las dos cosas. Pero también porque es un medio que te permite trabajar prácticamente en solitario y, en un momento dado, puedes hacer obras de gran producción con muy pocos medios. No tiene muchas cortapisas a la hora de producir y es muy inmediato. Me explico, puedes hacer un dibujo en un blog, y en muy poco tiempo pasas de la idea al público. En el manga no tienes límites.
--Usted vive en Tokio. ¿Qué diferencia hay entre el manga en Japón y en España?
--La diferencia fundamental es que en España se ve solo una porción de lo que se publica en Japón. Hay una visión muy concreta, de manga más de acción y para chavales, hay mucho estereotipo. En Japón, el tamaño de la industria del manga es enorme y eso permite muchos experimentos con muchos tipos de obras que de otra manera no sobrevivirían. Y ese es el tipo de cómic que me gusta, un cómic que permita ser más libre pero todo dentro del contexto del cómic comercial sin estar estrictamente al margen de él. En ese punto intermedio es en el que me siento muy cómodo y en Japón tiene su espacio. Esa es la razón por la que he ido a Japón, porque hay unos márgenes ahí para crear obras personales y comerciales y puedes vivir de ello.

Calvin y Hobbes se hacen adultos



Bill Watterson publicó la última tira deCalvin y Hobbes el 25 de diciembre de 1995. Aquellas cuatro viñetas, en color, en el formato dominical, son una de las grandes obras maestras del cómic: Calvin y su tigre se despiertan y descubren un paisaje completamente nevado. "Es un mundo mágico, Hobbes, viejo amigo. ¡Vamos a explorarlo!", exclama el niño antes de lanzarse a la aventura. Con estas palabras se cerró una década de dibujos que lograron una conexión insólita con los lectores y terminaron de demostrar que las tiras cómicas de los diarios no eran sólo para niños. Tras aquellos dibujos, Watterson desapareció de la vida pública, se convirtió en una especie de Thomas Pynchon de los tebeos, aunque nunca adoptó una actitud huraña a lo J. D. Salinger.
Sólo existe una fotografía suya, sonriendo ante su mesa de trabajo. No ha permitido ningún tipo de comercialización de sus personajes (cualquier camiseta o peluche de sus personajes es un producto pirata), pudo haber ganado millones, pero renunció: defendió con una coherencia insólita la pureza del cómic sin querer convertirlo en una industria. "Siempre es mejor irse pronto de la fiesta. Creo que la razón principal por la que Calvin y Hobbes todavía encuentra su público es porque elegí no quemarlo. Nunca me he arrepentido de parar cuando lo hice", declaró por correo electrónico en la única entrevista que concediódurante su largo periodo de silencio. El periódico elegido era toda una declaración de principios: el Plain Dealer, de Ohio, porque vive en un municipio de este Estado, Chagrin Falls, situado en los alrededores de Cleveland. Cumplió su promesa y no volvió a publicar. Hasta ahora: 19 años después de aquella mítica tira, Watterson ha vuelto.

Taller con Ana Ventura. Narrativas de Papel


La CALA: cine tropical en Chodes


Amigas, amigos,
el 15 de julio iniciamos en La CALA nuestro III Experimento de verano, lo titulamos DEPRISA, y nos propusimos hacer cine como si fuera la primera vez. 

Un equipo formado por Diego Fermín, Gonzalo Ferreró, David Martínez y Rubén Vicente, en la dirección y realización, y Grassa Toro en la producción, estrenó el sábado 26, en los jardines de esta casa, los dos primeros films de ficción producidos por La CALA.

Hoy los ponemos en la red para disfrute del espectador, allí donde se encuentre, allí donde nos encuentre.

El experimento ha servido para saber qué cine queremos hacer: un cine tropical.

Gracias a quienes habéis colaborado, a quienes habéis seguido el día a día a través de la red, a quienes vais a dedicar seis minutos a ver este cine hecho en Chodes, en La CALA.

Un saludo cordial,
La CALA





domingo, 27 de julio de 2014

¡Esto no es todo, amigos!



Un animador es un actor con un lápiz. Un actor que debe conocer a su personaje a la perfección si quiere conseguir una buena interpretación. Debe conocer su anatomía (sea humana o animal), sus movimientos y gestos (cómo corre, salta, baila, duerme o se enfada), debe saber cuáles son sus puntos débiles, sus gustos. Si es necesario, habrá que marcar reglas para no perder nunca de vista el fin de una buena película de animación: personajes creíbles que en realidad son increíbles.
Chuck Jones, uno de los grandes animadores de la historia, padre de Bugs Bunny, del Pato Lucas y de Pepe Le Pew, creía fielmente en todo esto. Él era un actor y un director armado con un lápiz. De hecho, él fue quien ideó estas normas no escritas, al tiempo que sí escribía las que debían seguir sus hijos más queridos, el Coyote y el Correcaminos —los únicos que creó él solo, con su lápiz—, para conservar la coherencia dentro del surrealismo que vivían en sus eternas persecuciones. “Nunca habrá diálogo, excepto ‘Beep, beep!” era la primera regla de las nueve que redactó y que están colgadas, desde el pasado sábado, en las paredes del Museum of the Moving Image (Museo de la Imagen en Movimiento) de Queens (Nueva York) que celebra su trabajo y legado en la exposición What’s up, Doc? The animation art of Chuck Jones(¿Qué hay de nuevo, viejo? El arte animado de Chuck Jones).
Seguir leyendo en Elpais.com

Gracias a Pablo Cruz por el enlace. :-)




Cómo hacer que te gusten los helados y los libros



Te voy a explicar cómo pasamos de: en este país no se lee a: en este país estamos aprendiendo a leer.
El simple título de esta historia ya fue un problema para mí, pues es un fracaso programado pensar que existe una receta o serie de sugerencias para hacer de una persona una lectora.
A menudo lo que más nos enoja, seamos adultos o pequeños, es que nos exijan que hagamos las cosas “por nuestro propio bien”. ¿No es mejor acaso descubrirlas? Por ejemplo: si nos dicen que hagamos ejercicio para estar sanos, y luego vemos que los que nos dicen no hacen ejercicio, pero van quejándose de que estamos gordos y gordas porque nos falta ejercicio, algo está mal.
En el caso de la lectura es igual, pues dicen que en este país no se lee y yo me pregunto: ¿Será acaso mejor decir: en este país no hemos aprendido a leer?
Es como, por ejemplo, cuando preguntas si puedes comerte un helado y te dicen: ¡Nooo! Sería distinto si te responden: te voy a enseñar cuándo y cómo se come un helado. Esta segunda opción nos va preparando para recibir el conocimiento de algo que vamos a disfrutar.
Y, como hablando de helados, me dieron muchas ganas de echarme uno, te voy a explicar cómo pasamos de: en este país no se lee a: en este país estamos aprendiendo a leer.

Arturo Elena para United Colors of Benetton


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"El arte contemporáneo es un fraude"



No fueron pocos los que se identificaron, hace un par de años, con aquella mujer de la limpieza de un museo alemán tan celosa de su trabajo que se empleó a fondo para eliminar unas terribles manchas que había en una de las obras expuestas. Ni se le ocurrió sospechar que formaban parte vital de la pieza Wenn es anfängt durch die Decke zu tropen (Cuando empieza a gotear el techo) del artista Martin Kippenberger, valorada en 800.000 euros. El Museo Ostwald de Dortmund (cuyas primeras entradas en Google son sobre el suceso, superando a su web oficial), llegó a afirmar que "estamos intentando aclarar cuanto antes qué tipo de capacitación tiene el personal de la limpieza".
La crítica de arte mexicana Avelina Lésper diría que esa pobre trabajadora, además de un gran sentido de la pulcritud, tenía también un gran sentido común. Lésper, colaboradora de diferentes medios de comunicación latinoamericanos y directora del programa de televisión El Milenio visto por el Arte, es una de las voces que más suenan contrarias al arte contemporáneo, cuestionando desde los ready-made (el uso de objetos comunes como el urinario de Duchamp) a las performances efímeras.

-¿Cómo definiría el arte contemporáneo en una palabra?
-Fraude

-Explíquese…
-Carece de valores estéticos y se sustenta en irrealidades. Por un lado, pretende a través de la palabra cambiar la realidad de un objeto, lo que es imposible, otorgándoles características que son invisibles y valores que no son comprobables. Además, se supone que tenemos que aceptarlos y asimilarlos como arte. Es como un dogma religioso.

-¿Y por otro lado?
-También es un fraude porque está sostenido nada más que en el mercado, que es fluctuante y artificial en la mayoría de los casos. Se otorgan a las obras valores artificiales para que pienses: “si cuesta 90.000 euros es porque debe ser arte”. Estos precios son una burbuja, como existió la burbuja inmobiliaria.
Gracias a Javi Hernández por la noticia. :-)

viernes, 25 de julio de 2014

Nace ilustraLab


Dicen que “lo bueno se hace esperar” y también que “todo llega a su tiempo”. ¡Queremos pensar que algo de cierto hay en la sabiduría popular!
Como muchos sabéis, llevamos meses rompiéndonos el coco y trabajando en la creación de una comunidad internacional de ilustradores. Pensando en cómo construir una experiencia de encuentro que nos permitiese crecer como creadores y profesionales. Finalmente sucedió.

El pasado domingo 06 de julio presentamos ilustraLab en el marco de la séptima edición del Festival IlustraTour. Nervios y muchas ganas de compartir con todos vosotros los resultados de estos meses de arduo trabajo impulsados por el entusiasmo de hacer realidad un sueño, la creencia y la certeza de que juntos podremos llegar más lejos. Allí donde solos no podemos.
Muchas gracias a todos los que se han puesto en contacto con nosotros desde entonces, por vuestro entusiasmo y generosidad al compartir conocimiento y opiniones sobre la necesidad, o no, de crear una red para lanzar talento ilustrado al mundo. Queremos compartir con vosotros algunas de las respuestas que hemos recibido a la pregunta que lanzamos al auditorio:
¿Crees que ilustraLab es necesario?
Sí porque juntos somos más potentes que si vamos solos.
Sí porque el trabajo de ilustrador es muy solitario.
Sí, siento la necesidad de abrirme al mundo y necesito ilustraLab.
Sí, por las posibilidades laborales que podría darme….para proteger y potenciar nuestra profesión.
Sí, la residencia es una idea genial. Ofrezco mi casa.
Transcurridas tres semanas desde la presentación, nuestra alegría no puede ser mayor al confirmar que … ¡no estamos solos! Aún sois pocos los que conocéis ilustraLab y ya tenemos una pequeña comunidad de socios pioneros. Desde entonces hemos recibido más de 200 respuestas de ilustradores, diseñadores, guionistas y editores que opinan que ilustraLab sí es necesario. Desde Argentina hasta España, pasando por México y Perú, hemos recibido vuestros valiosos comentarios, preguntas, opiniones y apoyo.
No tenemos más que palabras de agradecimiento, nos estáis orientando y ayudando a hacer de ilustraLab una realidad.
Nosotros creemos firmemente en su necesidad y potencial pero precisamos saber si vosotros opináis lo mismo. Sólo si somos muchos los que pensamos que es útil y necesario, entonces buscaremos los recursos faltantes para ponerlo en marcha. Necesitamos conocer tu opinión, cuéntanos.
¡No más tiempo solos! Ese es el lema con el que nace ilustraLab. Esperamos que esta comunidad se transforme en una realidad pero para ello necesitamos ser muchos, ¡muchos más!



Plagio de Magilu Cards a la ilustradora MissPink


Nuevo plagio, ahora de la empresa Magilu Cards de Alicante de la mano de Elior Vidal Reyes. Me parece increible que les escriba de buenas maneras para decirles que han plagiado 4 ilustraciones mías, que no pueden hacerlo (de cajón) y que me contenten que no han plagiado nada. En concreto Elior Vidal Reyes (estudiante de Bellas Artes pero podía quedarse en su casa durmiendo) ni se ha dignado a contestarme. Uno puede plagiar porque en un momento de "necesidad" lo haga, pero señores hay que saber tener dignidad, pedir perdón y enmendar el daño. Pero ahí siguen las ilustraciones en su web y por supuesto ni una disculpa...

Aquí os dejo su facebook:

https://www.facebook.com/elior.vidalreyes?fref=ts

También su web, por si alguien me hace el favor de decirle 4 cositas (por favor siempre con educación que se pueden transmitir muchas cosas siendo muy elegante):
http://magilucards.wordpress.com/

Gracias a todos



jueves, 24 de julio de 2014

Leire Salaberría y “Chismorreo”: “El tema del libro me daba pie a crear historias paralelas con las que jugar y salir de la simple descripción. Por eso utilicé los bocadillos y para hacer el libro más sonoro, con más ruido, que se sintiera el chismorreo de la gente”


Chismorreo era una ciudad donde sus habitantes no paraban de hablar, y donde reinaba la confusión y el ruido. A nadie preocupaba eso, excepto a Bartolo, que jamás había pronunciado una sola palabra en su vida. Pero él tenía una singular capacidad: sabía escuchar. El día que Bartolo encontró una caracola todo cambió.
Así nos presenta la editorial Edelvives este precioso libro, titulado “Chismorreo”, y detrás del cual están las palabras de Pepe Maestro y las ilustraciones de Leire Salaberría. Como nosotros ya sabéis hacia dónde tiramos siempre, hemos querido acercarnos a este proyecto desde el trabajo de esta ilustradora, con la que hemos charlado.
¿Cómo nació este proyecto? “Me llamaron desde Edelvives diciendo que tenían un texto para mi. Así comenzó todo”.
¿Qué te pareció el texto de Pepe Maestro la primera vez que lo leíste? “Me gusta mucho la forma de escribir de Pepe Maestro. Me sorprendió y me enganchó ya la primera vez que lo leí. Usa mucho el humor, pero con una mirada muy poética y fantástica, y nos regala un mensaje muy importante. Aprender a escuchar”.
¿Con qué técnica trabajaste estas ilustraciones? “Lápices de colores. Tenía muy poco tiempo para hacer el proyecto y eso requería usar una técnica rápida. También me apetecía cambiar del collage y del acrílico.”
¿Hiciste algo nuevo respecto a otros proyectos? “Era la primera vez que ilustraba un texto tan largo, una novela infantil, y me salía del formato álbum para los más pequeños. Fue una forma diferente de enfocar el proyecto. La composición de la maqueta estaba bastante marcada por el volumen del texto, y esto pedía jugar con el blanco de página. Me gusta mucho cambiar de formato, y hacer cosas diferentes, tener nuevos retos. Es más emocionante a la hora de trabajar.
Al realizar los bocadillos en los personajes, al final acabas aportando más “texto” a la historia, ¿no? “El tema del libro me daba pie a crear historias paralelas con las que jugar y salir de la simple descripción. Por eso utilicé los bocadillos y para hacer el libro más sonoro, con más ruido, que se sintiera el chismorreo de la gente. Por otro lado opté por darle vida a un personaje que solo se menciona en forma de metáfora al principio del cuento y darle vida durante toda la historia, el gigante invisible. Al final acaba teniendo tanta importancia como Bartolo en la narración de las imágenes. Que los editores te dejen total libertad para contar tu propia visión de la historia sin cortarte las alas es todo un lujo.”
A la hora de crear muchos personajes, ¿te inspiras en gente real? ¿Con la que te sueles cruzar? “Soy muy curiosa y me fijo mucho en todo lo que me rodea. En las caras, gestos, conversaciones, lugares… supongo que van dejando un poso. De pequeña, en el cole, me dedicaba a hacer garabatos con el lápiz encima de la mesa mientras los profesores daban sus explicaciones, aunque luego me llevara la bronca merecida. La mayoría de las veces eran caras de personas interpretadas de mil maneras diferentes. Aquella forma de dibujar, casi autómata, ha ido haciendo mella en mí y todos estos recursos están ahora en mi biblioteca mental, en mi imaginario.”